jueves, 5 de diciembre de 2013

Bruce Springsteen "High Hopes"



El gran Bruce Springsteen sigue tan activo como se espera de él. Conciertos por Australia, cerrando fechas de su gira mundial incluida España... No se puede pedir más. Quizá un nuevo álbum de estudio.

Pues también lo vamos a tener. Y no va a ser un disco cualquiera. El propio Boss acaba de dar la fecha definitiva de publicación, 14 de enero de 2014.

Hace varias semanas no obstante que conocemos el contenido de High Hopes (Altas Esperanzas). Se trata de un compendio de canciones entre inéditas de reciente creación y clásicos regrabados no sólo propios, también ajenos. 

Es el 18º álbum de estudio, grabado entre New Jersey, Los Angeles, Atlanta, Australia y New York. Mientras Springsteen seguía rodando su tour mundial iba fraguando la idea. Tom Morello es su nuevo guitarrista en la E Street Band y en palabras del propio Bruce, fue "mi musa, llevó el resto de este proyecto a otro nivel".

Y ese nivel no es otro que la contundencia habitual de sus discos y la puesta de largo de canciones que había interpretado en directo pero nunca había grabado. Por ejemplo los dos singles conocidos hasta el momento. A saber: Dream Baby Dream de la banda de rock neoyorquina Suicide y High Hopes que da nombre al disco y que pertenece a The Havalinas, una banda local de New York.

Entre las revisiones de material original de Springsteen se encuentra The Ghost Of Tom Joad en la que aparece el guitarrista Tom Morello y también American Skin, sobre las que dice Bruce que "estaréis familiarizados por las versiones que hemos tocado en directo. Sentí que eran parte de mis mejores composiciones y se merecían una buena grabación en estudio".

En definitiva el álbum pivota alrededor de vivencias personales en relación a grupos locales que el Boss seguía desde su juventud y que jamás llegaron a salir del ámbito más inmediato de New Jersey.

"Esta es la música que siempre sentí que merecía haber sido editada. Desde los gangsters de Harry's Place, a los compañeros de piso en Frankie Fell In Love (con sonidos de Steve y yo en nuestro apartamento de Asbury Park), los viajeros en el páramo de Hunter Of Invisible Game, al soldado y su amigo en The Wall, sentí que todos merecían un hogar y una audiencia. Espero que lo disfrutéis" B. Springsteen.

En ello estamos y esperando el resto del álbum en la fecha prevista de publicación.


martes, 19 de noviembre de 2013

Luz Casal Premiada Por El Ministerio de Cultura





La cantante gallega Luz Casal es Premio Nacional de las Músicas Actuales 2013. Una trayectoria musical que abarca varias décadas y distintos estilos musicales desde el rock, a la balada o el bolero. Una voz inconfundible llena de rabia o ternura, adaptada con clase y calidad a cada interpretación.

La noticia se ha conocido hoy 19 de noviembre. Precisamente las dos características citadas, "la calidez de una voz que se graba en la memoria" y "el fértil camino recorrido (...) ensanchando su trayectoria" han sido las dos cualidades que el jurado de este Premio Nacional ha valorado sustantivamente.

La noticia ha sorprendido a Luz actuando en París. Y es que Francia, dicho sea de paso, es un país en el que goza de una popularidad muy especial. A veces la propia cantante ha llegado a subrayar que en España también existe. Este galardón dotado con 30.000 € lo demuestra.

Luz Casal ha reconocido en distintas entrevistas a lo largo del tiempo que si en los ochenta le hubieran dicho que iba a cantar boleros no se lo hubiera creído. Y es que a veces las fronteras de la música son tan leves que afortunadamente hay quienes las cruzan con total naturalidad y éxito.

Precisamente su último disco aún inédito pero ya grabado llamado Almas Gemelas (2013) contiene siete versiones, una de ellas del músico y cantautor brasileño de bossa nova Antonio Carlos Jobim. Publicación prevista para el 26 de este mes.

También fueron galardonados con este premio del Ministerio de Cultura en su primera edición en 2009 Joan Manuel Serrat, 2010 Amaral, 2011 Santiago Auserón y 2012 Kiko Veneno.

Bonita noticia para rubricar el día.




domingo, 17 de noviembre de 2013

Queen Superventas



Comentar cualquier detalle sobre la histórica banda de rock Queen se me antoja arriesgado. Mil biografías, mil disecciones sobre cada uno de sus discos, mil detalles técnicos que argumentan en definitiva el nacimiento, desarrollo y posterior ocaso de estos cuatro músicos que en Londres hace más 40 años pusieron en marcha el proyecto más ambicioso de sus vidas... No es fácil.

Aún así es objetivamente acertado decir que si Freddie Mercury no hubiera estado en ella jamás habrían resultado igual de divertidos sus discos, sus giras, su quehacer ante los medios de comunicación así como el largo número de vídeos igualmente entretenidos.

Pero detrás de todo ese espectáculo multimedia, incrustante sobre todo durante los ochenta -¿qué no lo fue en esa década?-, hay cuatro músicos que en conjunto trabajaron un legado musical altamente recomendable. El guitarrista Brian May, el bajista John Deacon, el batería Roger Taylor y el vocalista Freddie Mercury construyeron un mito que todavía perdura.

No lo suficientemente rudos como para ubicarles abiertamente en la tendencia hard rock de sus comienzos, que algunos dicen inspiraron, y tampoco lo necesariamente planos como para situarlos fuera; precisamente su música eclosionó en realidad a raíz del archifamosísimo -contagiado del progresismo musical de la época- A Night At The Opera (1975). Un álbum que ya mostraba los excesos y gustos recargados de Mercury.

Desde aquí hasta el estrellato definitivo y a la comercialización masiva de su espectáculo lleno de color, fantasía con un vocalista desatado en cada interpretación había un paso. Es decir, el abandono de sus raíces hacia lo fácil y cómodo para las listas de éxitos en la arrolladora maquinaria del márketing. A veces se alargan los proyectos más de lo debido en virtud del rentable negocio.
 



Pero quiero destacar que la Banda Británica de Rock Queen jamás utilizó sintetizadores en sus discos. Es más, si se lee detenidamente en ellos aparece esta frase: Ningún sintetizador fue utilizado en este álbum. Lo llevaban muy a gala... pero solo hasta 1980. La moda, el mercado mandaban.
 
El álbum The Game de 1980 fue el primero del grupo en incluir el elemento básico de una década que al fin y a la postre los elevó al cenit del reconocimiento mundial.

El sintetizador hizo acto de presencia en los discos de los veteranos del rock británico. Algunos seguidores se quedaron por el camino pero otros muchos empezaron a amarles.

Las ventas fueron ingentes. Hasta el momento de escribir estas notas el disco supera con creces las 4 millones de copias vendidas. Y algunos de sus temas igualmente han llegado a estar en formato single en más de 7 millones de hogares por todo el mundo. Me refiero a Another One Bites The Dust. Su primer nº1 en EE.UU.

O por poner otro ejemplo el rockabilly Crazy Little Thing Called Love que junto a la anterior fueron los dos únicos nº1 de Queen en el país de la libertad. Según cuenta la leyenda el propio Mercury lo compuso en diez minutos en un baño de espuma en un hotel de Munich en las sesiones de grabación. Solo media hora necesitó para grabarlo...

En fin, a partir de aquí muchas cosas quedaron atrás de los genuinos Queen de sus comienzos.
 






lunes, 11 de noviembre de 2013

Billy Joel, "She's Always A Woman"



Entre bambalinas se van cociendo a fuego lento las mil y una historias de aquellas canciones que sin saber muy bien por qué se van cotizando al alza conforme pasan los años. Qué duda cabe que Billy Joel tiene algo que decir al respecto con una de sus más entrañables composiciones.

Transcurría el año 1977 cuando se publica el álbum The Stranger. Tras varios singles de éxito como el espléndido Just The Way You Are que Barry White versionó después, aparece esta pequeña balada que conquistó el corazón de medio mundo.

Inaugurada la década de los 70 Joel acababa de romper relación profesional con su mánager que no conseguía promocionarle adecuadamente.                              

Billy apenas despegaba de los clubs nocturnos neoyorquinos machacando el piano a golpe de melodías que ambientaban a la perfección una noche de copas, pero nada más. Por fin Piano Man en 1973 consiguió abrirle un hueco más que importante en el mundo de la música.

A partir de ese instante sería Elizabeth, su mujer, quien se hiciera cargo de la gestión de la carrera de su marido. Es conocido que ejercía con mano firme su labor entre los empresarios. Tras la frágil estampa que describía su figura se escondía "una negociadora exigente y experta que podía herir con sus ojos, robar como un ladrón pero nunca ceder", tal es la fama que adquirió en el mundillo del show business.

Esta merecida fama de negociadora férrea e inflexible le granjeó el apelativo de mujer "poco femenina". Estaba claro que para su marido Elizabeth era sin embargo toda una dama. Y para hacerlo saber compuso She's Always A Woman.

Desde luego una belleza de canción que no ha parado de desprender su donosura desde entonces por doquier, incluidos spots de televisión.  Muy curioso además es que en el fatídico 11 de septiembre de 2001 podía escuchársele en la megafonía del piso bajo de las terriblemente célebres torres gemelas de New YorkWorld Trade Center, justo hasta el momento del colapso. Paradojas de la vida.


lunes, 4 de noviembre de 2013

Una Sonrisa

Una sonrisa inocente y cómplice para una tarde de otoño.


 
 
El poder del deseo. Cuidado con él, ¡puede hacerse realidad!. 

domingo, 3 de noviembre de 2013

La Ciudad Viva, Hermoso Ruído



A veces uno no tiene nada mejor que hacer que darse una vueltecita por la ciudad por el simple placer de disfrutar de sus calles, sus gentes, la temperatura que al menos en este día de otoño acompaña mientras vas descubriendo como la morfología de ambos, ella y yo, va cambiando a la par.

Aparqué el coche. Misión casi imposible cuando pretendía hacerlo en cualquier calle al azar como antaño, ¡inocente de mi!. Ya había olvidado que la ciudad es coto privado de la amenazante grúa municipal, agazapada tras cualquier esquina esperando exactamente a que tú llegues.

Y la verdad, todo repleto de todo. De coches, de niños, de papás que corren exhaustos tras ellos mientras la mamá de al lado hace malabares imposibles para que el niño tome la merienda; la pareja de más allá que de la mano se dedican todo tipo de recatados gestos de amor y sus antagonistas, también enamorados pero que atornillan sus labios sin pudor alguno.

La ciudad bulle. Los comercios rebosan. Al menos aún no ha desparecido el ritual de pasar a preguntar precios y de paso probarse el vestidito, traje o chupa que de seguro sabemos que no podremos comprar, pero que al menos nos deja con la satisfacción de haber podido vestir un traje carísimo de ultimísima moda por un momento, minutos que al resignado vendedor se le antojan un mundo mientras ufanos hacemos pasarela en un metro cuadrado frente al espejo.

Pero lo importante es que en ese ensimismado ir y venir pareciera que la crisis no existiera durante esas pocas horas del día. Vivir hay que vivir y lo podemos observar en las típicas tascas. Si no hay para dos, pues ya con una vas bien servido y feliz con una charleta mientras disfrutas del momento.

Por unas horas has tenido la sensación que John Lennon debió de sentir igual cuando escribió Imagine. Y que al llegar a casa pensó que escenas así jamás deberían hurtarse por intereses espurios; algo que Louis Armstrong también debió imaginar cuando cantó con tanta dulzura  What a Wonderfull World .

Porque la vida es sueño y lo sueños, sueños son, que al menos nadie nos impida siquiera poder imaginar un mundo mejor, incluso maravilloso... A fuerza de practicarlo igual los sueños dejan de serlo para convertirse en realidad. Que nos quede al menos París.


lunes, 28 de octubre de 2013

Lou Reed Ha Muerto



Hace cinco años en este mismo blog y a propósito del álbum Transformer dediqué el siguiente artículo a la vida y milagros del inefable Lou Reed. Sirva hoy como homenaje póstumo. Ciertamente esta vez el cielo pudo haber esperado un poco más:

De nuevo he elegido un disco ecléctico en su contenido sonoro. Fechado a comienzos de los 70 es un álbum completo en todos los sentidos. No hay mucha parafernalia en la producción, es decir, que se va a lo que se va, a poner en valor los textos de este poeta urbano natural de Long Island, New York. Y son muy ricos, créeme. Más adelante te daré algún estribillo del disco.

Venía Reed de fracasar junto a John Cale con la posteriormente influyente Velvet Underground. Algo comedidos en los temas que trataban, generaron controversia pero no la suficiente para consumirse masivamente. El grupo desapareció pronto, en 1970. En ese contexto conoce a David Bowie que se interesará por él produciéndole Transformer.

Según etiquetas de la crítica este es un disco dentro del estilo Glam-Rock. Este palabro viene a decir que es una especie de... me gusta el rock pero no voy a hacer rock, aunque... en fin, un rock pijo que se deja querer sin ser fácil de etiquetar. A Reed le chiflaba también el rhythm and blues, el free jazz, la música experimental y sobre todo "traer la sensibilidad de la novela a la música" o escribir la "Gran Novela Americana" en un disco.

Sea como fuere este disco contiene letras contundentes que en combinación con los peculiares personajes que van desfilando, dan una idea de la extrañeza que provocaba este músico. Travestís, putas, homosexuales, drogadictos, traperos, etc., con sus desasosegantes historias individuales. Ningún músico de la época escribía sobre ellas y mucho menos como lo hacía Lou Reed.

Por ejemplo la obra maestra Walk On The Wild Side es un gesto de bienvenida a todos los travestís e inadaptados de la factoría de Andy Warhol, el impulsor de la moda pop o estilo de vida callejero de estos personajes marginales que tan pronto elevaba al no va más de la belleza estética una lata de refresco arrugada en determinada forma, como creaba un cuadro tomándola como motivo.

Otra belleza del disco es Perfect Day, una auténtica exposición elogiosa a la adicción de Reed por la heroína.

Y así todo. Ironías, melancolía, ambigüedad en torno a una base de Rock, Glam-Rock, Jazz, ambientes cabareteros... Una delicia en la que incluso puedes encontrar una tuba y arreglos de cuerda. Vamos, un disco que para sí hubiera querido Rick Rubin.
Recomendación personal, el primer alegato del disco que se llama Vicious. Es un tema buenísimo.

"Cuando te veo venir, sólo quiero salir corriendo, bien lejos. No eres la clase de persona con la que me gustaría estar. Cuando te veo bajar por la calle te piso las manos y te corto los pies. No eres la clase de persona con la que me quisiera encontrar. Oh, nena, eres tan viciosa, eres tan viciosa." (Tema: "Vicious").

"Jeanny era una mocosa consentida. Creía que lo sabía todo. Fumaba cigarrillos mentolados y tenía sexo en el salón pero no era mi tipo, ni siquiera era de mi signo. No era la clase de animal con quien quiero estar." (Tema: "Hangin' 'Round" - Yendo Atrás).

"Candy llegó de Island. En la habitación de atrás era la querida de todos. Pero nunca perdió la cabeza. Ni siquiera cuando la chupaba. Dice, hey babe, date una vuelta por el lado salvaje. Dice babe, date una vuelta por el lado salvaje. Y las chicas de color dicen, du,du,du,du... // Jackie iba colgado de anfetas. Se creyó era James Dean por un día. Después se pegó un palo. Creo que el Valium le habría ayudado a bajar. Ella dijo, hey babe, date una vuelta por el lado salvaje. Y yo dije, hey cariño date una vuelta por el lado salvaje. Y las chicas de color decían, du du du du..." (Tema: "Walk On The Wild Side" - Camina por el Lado Salvaje).

"¿Quieres ser la rueda de mi carro?. ¿Quieres decirme que tal sienta?. Tienes que vivir la vida como si fueras el número uno. Sí, tienes que vivir tu vida. Y sacarle partido a tu diversión. Y si piensas que te resultará excitante coquetear con el peligro, dale una patada a esa tipa en la cabeza y arréglala.//Oh, padre celestial, ¿qué puedo hacer?. Lo que ella me hizo me está volviendo loco. Oh, padre celestial ya sé que pequé pero mira dónde estuve. Me vuelvo perezoso.//¿Porqué no me despiertas, me sacudes?. (Por favor) no me dejes dormir demasiado." (Tema: "Wagon Wheel" - Rueda de Carro).






domingo, 27 de octubre de 2013

E.G. Daily, Viejos Vinilos



Esta semana he visitado una de las poquitas tiendas de discos que ya quedan en la ciudad. Desde que MadridRock hace un tiempo desistiera de la venta tradicional de discos hasta su cierre definitivo, la caída en picado de muchos más distribuidores fue exponencial. Y todo ello, no nos engañemos, por el torticero uso de la red. En otro momento hablaremos de ello.

El caso es que mi disquero de toda la vida ha dejado de vender agujas y cápsulas para mi entrañable Technics que tanto buen rato me ha hecho pasar en las últimas semanas. No hay recambio, al menos de forma inmediata.

Pero sí me ha dado aún para escuchar varios vinilos más. Surcos repletos de nostalgias y carreras incipientes que nunca pasaron de ese prometedor punto inicial. Las eternas promesas y/o flor de un día.

E. G. Daily, quizá no os diga mucho. Lo entiendo. Pero con ese nombre publicó su primer disco una joven de Los Angeles de California allá por el lejano 1986. Exacto, ya por entonces Madonna presumía de su inminente cetro dorado como reina del pop. Pero esta chica auspiciada por el productor de la Ciccone, John "Jellybean" Benitez, se lanzó al vacío y sin red.

También actriz para la tv desde su tierna infancia y más tarde para el cine, Daily no ha significado mucho al menos por Europa en el mundo del espectáculo.

Ha seguido en activo en la tele y el cine, colocando en ambos medios algunas de sus canciones y músicas como compositora y productora y doblando personajes de animación. No obstante y a pesar de su más reciente incursión fechada en 2008 con un nuevo álbum (fíjate que es el tercero desde 1986), sólo la recordaremos por el fugaz éxito de aquel pretérito debut con el que quiso emular a Madonna.

Me encantaba el desparpajo y la ilusión que puso en un mundo lleno de ocupas que llegaban para quedarse. Era la extraña e irrepetible década de los ochenta. Te dejo algún vídeo de la chica que contiene su gran éxito Say It, Say It y para mí el más entrañable de todos los temas del disco, el que le dio nombre, Wild Child.




sábado, 26 de octubre de 2013

El Último Barco de Sting



El interés creativo e inquieto del Sting post Police no ha dejado de entregar obras marcadamente personales. El sonido inconfundible que ha resultado de su larga experiencia vital y profesional sorprende ahora con un impecable álbum, The Last Ship (El Último Barco)

En realidad se trata de la obra teatral del mismo título a la que el guitarrista natural de Newcastle ha puesto música. Se estrenará en Broadway en 2014. Trata sobre la desaparición de la industria naval de Newcastle en 1980 y la decadencia de la zona otrora muy industriosa. 

Esto ha dado como resultado un disco con sonidos a veces oscuros y densos, otras más luminosos y rítmicos, sin olvidar el folclore de la zona. Justo refleja con veracidad el perfil de bonanza económica que proyectaban las grúas portuarias que perfilaban el horizonte y el contraste con la desaparición del paisaje industrial y el colapso económico y social que provocó.

Doce canciones que encajarán como un guante decadente en la trama de la obra a la que ponen fondo musical. Ha contado Sting en este The Last Ship con la colaboración de Brian Johnson, el cantante de AC/DC.

Un disco incompleto si no se escucha en el contexto que lo ha provocado. Letras y música entroncan mejor que nunca. Música responsable para oídos cómplices.




domingo, 20 de octubre de 2013

The Hues Corporation



Santa Monica, California, EE.UU. Es allí donde nación este trío en el año 1969. Por entonces su música se basaba en el soul. Y así les fue bien durante algunos años. Hasta que en 1974 se encontraron casualmente con la clave del éxito.
  
En realidad no sólo ellos empezaron a ser conocidos internacionalmente en aquel entonces. Otras bandas o solistas veteranos se apuntaron sin complejos a la moda imperante. Los años de experiencia en el medio les hizo realizar buenos trabajos.
 
Bandas provenientes del soul, blues, R&B o del funky acojieron con enorme eco popular el sonido Disco que empezaba a despuntar. Earth, Wind & Fire, Kool & The Gang, etc. Eran menos conocidos los Hues Corporation pero se apuntaron a la carrera del Disco.
  
Consiguieron colocar el tema Rock the Boat en más de tres millones de hogares por todo el mundo y aún sigue siendo un icono. Remasterizado, sampleado, versionado, en la actualidad es muy fácil encontrarlo encabezando listas de compilación Disco. Un referente.
 
Originalmente pensado para que la vocalista del trío se hiciera cargo de él, las luminarias del sello RCA decidieron que ésta sólo interviniera a coro con sus dos compañeros. La causa, una estadística que decía que las voces femeninas no terminaban de cuajar en el estilo y daban al traste con cualquier expectativa de éxito. Increíble pero cierto. Ejecutivos delirantes. Donna Summer derribó prejuicios.
  
Vamos a disfrutar con Rock The Boat, The Hues Corporation.

 

lunes, 7 de octubre de 2013

Patxi Andión, Transbordo en Sol


Qué habrá sido del bueno de Patxi Andión, este madrileño de alma vasca... Parece que se le ve por la zona de cuando en vez. Que si algún festival aquí, algún trasnochado disco por allá... Él dice que nunca lo dejó. Que lo que se es, se es para siempre. Y tiene razón, ¡qué narices!. Aunque en la actualidad ejerce como docente.

No, no, la disciplina que imparte no tiene nada que ver con correr delante de los grises y cosas así, no. Es Catedrático de Sociología de la Comunicación en la Universidad de Castilla-La Mancha. Y de eso algo sabrá Patxi que trajo locas a tantas adolescentes y menos adolescentes durante unos cuantos años con su voz ronca, varonil y contando, digo bien, contando cosas de una España encorsetada y amordazada por el régimen político.

Sin duda gritó fuerte y con vehemencia. No se mordió la lengua. Aquello de las metáforas, andarse por las ramas, no iba con su filosofía. Rebelde desde pequeño lo siguió siendo de mayor. Ya sabes, lo que se es... Y sus canciones costumbristas, ajadas tanto como la realidad que describían, marcaron una época.

Nunca contuvo su rabia, ni la maquilló ante una España que no le gustaba. Su voz urgente quedó para la posteridad en inolvidables cantos como A Quien corresponda, La Jacinta, 1, 2 y 3, Rogelio, Si yo fuera mujer, sólo por citar algunas. Excepto la última, las demás ocurrieron en la gloriosa década de los setenta.

Eran aquellos unos años en que Serrat, Raimon, o Luis Llach resultaban más amables a un público aún aturdido de otrora tiempos de mucha mordaza. Quienes querían más dosis de realidad, sin rímel buscaban el cancionero de Patxi o se arriesgaban a salir perdiendo el trasero de recitales que resultaban abortados en pleno fragor por la autoridad competente.

Polifacético Patxi Andión. Cantautor, músico, actor. Incluso encarnó al Che en la versión teatral española de Evita que interpretó por cierto una Paloma San Basilio insultantemente bella. Durante los 80 publicó una serie de discos pero ya de carácter comercial que al fin y a la postre dieron con su guitarra y voz reivindicativas en la docencia.

De esta época última quiero destacar no obstante una canción cuyo texto es original del poeta barcelonés Goytisolo y al que Patxi puso su sabiduría interpretativa, Transbordo en Sol. Era el año 1983 y el disco en que puedes encontrarla se llamaba Amor Primero. Para quien quiera entender.  





sábado, 5 de octubre de 2013

Lissie, La Diva del Indi



Nada más empezar y las comparaciones hacen acto de presencia. Ya se ha dicho de ella que es la sucesora de Stevie Nicks. Y mire usted... pues no. Va a ser que esa frontera no la pienso cruzar. Por motivos puramente higiénicos. Sí, porque igual se dijo de otros tantos y nada pasó después. Nicks en su lugar, que está muy bien, y Lissie por el suyo que tampoco desmerece.

Casi recién llegada esta bonita joven de Rock Island -Illinois- nos ofrece una suerte de folk aderezado de pop, algo de rock, con detalles country. En fin, esa tendencia ecléctica que se ha dado en llamar indie y que tiene referencias inmediatas en Jewel y sin ir más lejos Russian Red en España.

Su infancia y adolescencia no exentas de las tribulaciones propias de la edad acabaron con ella fuera de la escuela secundaria de la que fue expulsada. Y claro, se refugió en la música. Después dejó inconclusos sus estudios en la Universidad Estatal de Colorado pero se empapó del ambiente musical de la zona llegando a colaborar con DJ Harry en la composición de algún tema para la televisión.

Inició su carrera y se promocionó en MySpace -una vez más las redes sociales captando nuevos músicos-. Y es así que por el correveydile propio del web Lenny Kravitz supo de ella y la invitó como telonera en la gira 2008. Para noviembre de 2009 publica el EP Why You Runnin y en junio de 2010 su álbum de debut Catching A Tiger. Así de breve. Porque breve es aún su historia.

El álbum es atractivo y muy sugerente. No inventa nada nuevo pero lo hace con soltura y credibilidad. La misma que ha gastado en su segundo disco  Back To Forever (2013). Ambas propuestas las tienes aquí. 


 

Lorde, Adolescencia en el Billboard

 
 
Gran sorpresa al cabo de varias semanas de intentos fallidos pero desde una posición privilegiada. Del tres al número uno directo en la lista de éxitos más prestigiosa de medio mundo, el Billboard. El aplauso merecido es para la neozelandesa Lorde.
 
Además se ha convertido en la artista más joven en conquistarlo en los últimos 26 años. Lorde tiene sólo 16 añitos. Pero canta y compone con ritmo y gusto un pop eléctrico muy llamativo que le ha llevado a vender hasta hoy nada menos que dos millones de copias del tema Royals.
 
Recorriendo los archivos del Billboard podemos encontrar que la última artista en alcanzar el número uno en su más tierna infancia fue Tiffany en 1987. También tenía 16 años pero con algunos meses menos que Lorde. Fue con I Think We' re Alone Now.
 
El resto del álbum de Lorde de nombre Pure Heroine no tiene motivos para dejar de escucharlo. Merece la pena. Es el primero y esperamos más. 
   

 
 

 

lunes, 30 de septiembre de 2013

BWB, Trío de Ases del Smooth Jazz



La elegancia del Smooth Jazz es algo que está fuera de toda duda. Es una música con una cadencia especial que embriaga por igual. Con el paso del tiempo ha dejado de ser el fondo ideal y se ha convertido en la protagonista absoluta de cualquier velada.

Entorno a ella se han desarrollado músicos con carisma y fineza. Precisos y preciosos en sus composiciones que han abandonado el lado alternativo para integrarse por derecho propio en un circuito que cada vez alcanza mayor firmeza en su innegable popularidad.

Desde los tiempos del saxofonista Grover Whashington, Jr., que inició el estilo, hasta la actualidad músicos como Peter White, Candy Dulfer, Chris Botti o Jeff Golub, por citar algunos, no han hecho sino que embellecer aún más esta especial textura.

En el año 2002 una reunión de tres músicos dio lugar al trío BWB. A saber, el trompetista Rick Braun, el saxofonista Kirk Whalum y el guitarrista Norman Brown. No se han prodigado mucho. Quizá sus carreras en solitario les reclaman demasiado. Pero han tenido tiempo en publicar un segundo disco en once años.

Una seleccionada lista de éxitos indiscutibles del malogrado Rey del Pop Michael Jackson ha sido la excusa necesaria a modo de tributo para grabar Human Nature (2013). Tratados al mejor estilo Smooth Jazz estos clásicos cobran una dimensión francamente sugerente. Sólo es dejarse llevar.



 
 

martes, 24 de septiembre de 2013

Jackson y Mercury Por Fin Juntos



Es conocida la tirante relación profesional que existía entre Freddy Mercury y Michael Jackson. Las excentricidades de ambos no terminaron nunca de resolverse a gusto de ninguno de los dos. Choque de egos posiblemente.

Esta extraña situación anímica entre estrellas de tamaño calibre no fue óbice sin embargo para que cierto día de 1983, en la cima de sus carreras musicales, se reuniesen en California, concretamente en el estudio de grabación de Jackson.

La buena armonía parece que brilló por su ausencia y aún así dejaron registrada una sesión de duetos que jamás vio la luz. La tirantez que se interponía entre los dos no dio lugar a un segundo encuentro en el que dejaran definitivamente perfilado el material. Ha sido ahora cuando Roger Taylor y Brian May, compañeros de Mercury en Queen, las han recuperado.

Estas grabaciones se encuentran en bruto. No fueron producidas. Y así han permanecido ocultas hasta nuestros días. Ahora Taylor y May se afanan en pulirlas para ponerlas a disposición del público en un plazo de dos meses. 

Oportunidad comercial de cara a la Navidad, altruista homenaje a las dos estrellas desaparecidas... Se resolverá en breve. Entre tanto hagámonos una idea escuchando parte del material original que desde hace algunos años venía circulando por la red.





domingo, 22 de septiembre de 2013

The Alan Parsons Project



El rock progresivo durante muchos años no ha sido bien visto por los grandes puristas del rock más genuino, al menos ha despertado en ellos ciertos recelos.

Y es comprensible. La descarga de inmediatez, el juego de cuerdas rasgadas al ritmo de la rabia en escena no son susceptibles de ser confundidas por otras formas aunque en su denominación lleven inscrita la palabra 'rock'.

Pero una cosa es establecer esa diferenciación y otra muy distinta mirar de soslayo y con desdén momentos evolutivos y/o creativos del rock. Porque en la diferencia reside la clave del éxito y la garantía de nuevas rutas musicales.

Alan Parsons, ingeniero y productor, ya estaba trabajando en los míticos estudios Abbey Road desde los entresijos de una mesa de mezclas para Pink Floyd, por ejemplo, mientras The Beatles descargaban toda su revolucionaria impronta musical en aquellas mismas paredes acolchadas.

Su proyecto mejor sin embargo fue el suyo propio. En 1975 desde Londres creó The Alan Parsons Project. No hay rock en el puro sentido del término, pero sí un colchón elaborado a base de largas suites, a veces cortes bucólicos más breves, pero creando un sello propio a partir de las bases que había aprendido de sus mayores en las décadas de los sesenta y setenta. Fue en plena era de la tecnología. Producción detallista. Rock Progresivo.

Te recomiendo cualquiera de los discos del proyecto que también contó con la participación del productor y cantante Eric Woolfson y el director de orquesta Andrew Powell. Pero hago mención especial a Eye In The Sky (1982). Quizá el menos progresivo de todos y más popero que ninguno. También el de más éxito.

Basado en la novela 1984 del escritor y periodista británico George Orwell en la que en plena década de los cuarenta ya vaticinaba la merma de la privacidad en virtud de futuros adelantos tecnológicos, fue el primero en acuñar el término en todo su significado de "Gran Hermano".

En la portada del disco El Ojo de Horus sobre fondo verde. Sin más. Pero con todo el significado, El Ojo que todo lo ve...



BONEY M, Desde Rusia con Amor



Érase que se era una vieja historia de la no menos vetusta Europa que tiene que ver con la leyenda Rusa de principios del convulso siglo XX. Aunque más tarde el 'personal' se enojó y no permitió el espectáculo completo, el acontecimiento tuvo su aquel.

A mediados de los setenta la música disco empezaba a perfilarse dando muestras ya de la eclosión que protagonizó sólo un par de años después. Fiebres varias. En Alemania un productor de nombre Frank Farian tuvo la ocurrente idea de aprovechar tamaño fenómeno musical. Grupos y solistas surgían por doquier al calor del nuevo ritmo y nuestro intrépido productor se sacó de la manga a los Boney M.

Eran estos en realidad figurantes de estudio provenientes de Jamaica y también Alemania. Conformaron un cuarteto -tres chicas y un chico- tomando la buena técnica de la que siempre hacen gala los músicos e intérpretes que aparecen siempre rubricados en letra pequeña en los créditos de los discos de las estrellonas de turno.

Farian creó en el laboratorio la banda perfecta, con la producción perfecta y el sonido perfecto para un final de década perfecto. El sorprendente sonido disco del álbum Nightflight To Venus (1978), tercero de la banda, supuso un shock del que aún se sigue hablando.


El vinilo además de éxitos indiscutibles tuvo su leyenda correspondiente. Se decía que todo era mentira y el playback funcionaba a placer. Que los miembros eran actores que daban en portada la imagen requerida para el proyecto milimétricamente orquestado por Frank Farian. Se demostró más tarde la única verdad, esto es, que se trataba de músicos e intérpretes profesionales reclutados a tal fin.

Pero hubo otra leyenda. La del mismo protagonista del tema que sigue al espectacular y soberbio inicio del disco. Me refiero a Rasputin, el consejero del Zar de Rusia Nicolás II que ostentó incluso más relevancia política que el propio Zar debido a sus cuitas políticas y sociales que terminaron costándole la vida. Se le llegó a atribuir ciertos amoríos con la mujer del  propio Zar. Murió asesinado.

La canción de los Boney M narraba el devenir de Grigori Rasputin hasta el momento de su trágica muerte. Tema y grupo se hicieron muy populares en Rusia. Tanto que fueron la primera banda del oeste en conseguir el permiso directo nada menos que de Leonid Breschnew, Secretario General de la Unión Soviética Comunista, para actuar en Moscú diez noches en diciembre de 1978. Pero se les prohibió incluir en su espectáculo el mencionado tema dedicado al excéntrico Rasputin.

No todo termina siendo absolutamente perfecto. Disfruta del vídeo, merece la pena recordar a los más genuinos Boney M en acción.