domingo, 26 de diciembre de 2010

De lo Malo lo Mejor


Siempre ocurre. No hay quien no tenga una historia a sus espaldas que en ocasiones haya lastrado más de lo deseable el camino hacia adelante. Sí, el amor. Bendito pero cruel en ocasiones. No tanto por sí mismo, sino, por el infortunado al que decide visitar.

Te toma, te eleva, te deja caer... sin red. Como diría el poeta, quien lo ha vivido lo sabe. En la adversidad es cuando se da la talla. Cuando más profundo es el desaliento, más valor tiene el resurgimiento. Y éste viene a veces de la forma más inesperada.

De una derrota, obtener una victoria; de lo malo, lo mejor. A finales de los años cincuenta en EE.UU. un atribulado compositor recibió la visita de Jimmy Beaumont, líder de una banda de música al estilo Doo Wop. Necesitaba un éxito, una canción que impactara para así despegar hacia el estrellato con su grupo.

No parecía tarea fácil toda vez que un éxito por encargo es como pedir peras al olmo. Las canciones se componen y quedan expuestas a las inclemencias caprichosas del gran público que por otro lado está en su derecho de aupar o no una composición. El azar tiene mucho que decir.

Aún así Joe Rock se puso manos a la obra. Los días pasaban y no conseguía nada. Pero el sabor agridulce de la fortuna traía un pequeño presente envuelto en un ácido más que corrosivo que le traía el alma patas arriba. Su novia le había dejado.

El drama personal hundió a Rock en la más desesperante rabia, pena y soledad. Y de aquella situación límite como por arte de magia fueron surgiendo la melodía y letra adecuadas que dieron con el éxito tan anhelado de los míticos hoy día The Skyliners, nombre de la banda de Beaumont.

El tema en cuestión es una joya standar que logró llevar al éxito al quinteto y a su compositor que vieron cómo Since I Don't Have You (Desde Que No Te Tengo) se convirtió en la balada más escuchada de la era pre-beatles.

La producción a base de instrumentos de cuerda y las perfectas armonías vocales junto al falsete de Jimmy Beaumont que daba un ambiente melancólico definitivo al tema, configuró un conjunto de alta calidad en un medio tiempo inolvidable que desde 1958 ha sido versionado por artistas de la talla de Barbra Streisand e incluso Guns N' Roses entre otros.




sábado, 25 de diciembre de 2010

Un Diamante es Para Siempre


Lo sé, el preciado mineral tiene un valor exquisito y no tanto por su escasez y difícil extracción en las entrañas de la tierra, sino, por su extraña belleza. Un tesoro preciado incluso en el último confín del mundo civilizado.

Y que suerte que a los que nos da por un autor en particular tengamos la dicha de poder decir que cada composición e interpretación se nos antoja un auténtico y refulgente diamante, y permita así mismo hacer el juego de palabras y significados porque impreso en su nombre ya se ve a lo lejos el brillo del que viene acompañado.

Exacto, Neil Diamond. La verdad es que no termino de entender de dónde éste veterano mortal consigue tan espléndidas interpretaciones cuando ya casi debería haberse retirado. Pero escuchándole uno entiende el por qué de su insistencia.

El septuagenario de Nueva York que acaba de ser seleccionado junto a Alice Cooper para formar parte del Salón de la Fama del Rock, un selecto club que acoge a grandes de todos los tiempos como Elvis Presley, ha dado nuevamente una muestra de buen hacer hace apenas una semana en la cadena de televisión americana NBC.

En su último disco, Dreams, y como ya he comentado en este blog, realiza un repaso a clásicos del Pop y el soul. Pues bien, Ain't No Sunshine de Bill Withers ha vuelto a cobrar una nueva dimensión en sus manos. A cappella y junto a Committed y Street Corner Symphony Neil Diamond ha puesto en valor por enésima vez su apellido.

No digo más. Ahí os dejo el vídeo del momento de la actuación en la televisión yanqui.


sábado, 18 de diciembre de 2010

¡Es Navidad!


¡Cómo, que ya es Navidad!, si la última vez fue hace... Sí, es verdad, en qué estaría yo pensando, hace justo un año que hablábamos de ella. Pero claro, como todo ahora se hace por real decreto uno no sabe a ciencia cierta cuándo han dado el pistoletazo de salida para el derroche de besos, abrazos y demás arrumacos que uno se pregunta por qué el resto del tiempo no se dan...

Y es que claro, como la huelga de controladores varios este año bendito de Nuestro Señor Jesucristo se ha adelantado en el calendario parecía que ya habíamos dejado atrás las opíparas comidas, cenas, en el mejor de los casos desayunos -no entremos aquí que es Navidad- y la Guardia Civil ya había instaurado semanas antes el toque de queda en las rotondas...

Por cierto que tengo yo algunas sugerencias al respecto para el próximo año. La primera es que por favor la benemérita modernice la indumentaria. Un toque de color si ya no puede ser de locura -la de bolis caídos estuvo muy bien- porque el verde uniformado cada vez se ve más gris.

Que los paneles informativos en las autovías cumplan su función haciendo honor a su nombre. No es una noticia que llueva, ¡si la vemos!, tampoco que nieve, que lo vemos también -de qué íbamos a tener permiso de conducir si no-. Cómo cambiaría todo si de pronto un domingo por la tarde ahí arriba tan hermoso, en colores y letras grandes de pronto se pudieran leer los resultados de los partidos de la jornada... ¡No hay color!.

Y que los radares por fin encuentren su sitio en ellas y no anden perdidos fotografiando a diestro y siniestro en aquellos lugares de peligro políticamente correcto. ¡Cuánta inventiva derrochada en camuflajes varios!.

Fijaros si no en la Real Academia de la Lengua que ahora tiene nuevo mandamás y que ha entrado pisando fuerte. Ahora ya no existe la 'ch' (che), no, es la 'c' 'h' tal cual y por separado; la 'll' (elle) ahora es la 'l' (ele) individualmente; tampoco el acento ortográfico se utilizará depende de para qué palabras..., etc. Cuando veas las barbas de tu vecino cortar, pon las tuyas a remojar, se debe estar diciendo nuestra querida y entrañable ñ de toda la vida.

En fin, que parece que eso del término medio es una cosa que ha dejado de moderar las tendencias. O Juan o Juanillo. Que se lo digan a Camilo Sesto, o lo hace bien o no hay por dónde cogerlo en Todo de Mí (2010).

Pero la sugerencia mayor y que más me satisface decir es que intentes vivir una muy feliz Navidad, aunque aún no te hayan pasado el informe en la oficina comunicándotelo, ni repararas en el guiño del decimito de agosto. O desde el Inem, si es tu caso, no sólo no se hayan acordado de ti, sino que, decidan olvidarte para siempre a partir del próximo febrero.

¡Ah!, y que la chica de Freixenet se pase al Cava y a la Mahou y que al calvo de la Lotería Nacional no se la dejen ver, mucho menos beber por desertor.

Feliz Navidad a tod@s.



miércoles, 8 de diciembre de 2010

Suavemente Bread


Perdidos en el anonimato que procuran los años de inactividad la banda de Oklahoma Bread dejó pocos discos pero con un sentido acústico y buen gusto difícilmente olvidables.

El cuarteto llegó a conseguir un éxito abrumador en unos años en los que reinaban a sus anchas grupos de la talla de Buffalo Springfield, Byrds o Crosby, Still, Nash & Young. El típico rock sureño que reivindicaba los orígenes rurales del rock en los que jugaba un papel importante el country, folk o blues con bandas así mismo como Creedence Clearwater Revival o The Band.

Su música recorría con facilidad las formas más sedosas del soft rock con un toque romántico que aupó algunos de sus temas al nº1 del billboard. Tanto relajaron su sonido que incluso acuñaron una nueva forma de interpretarlo inaugurando otra variante llamada soft pop.

Entre el año 1968, momento de su fundación, hasta 1972, momento de su disolución, grabaron cinco discos. El más importante Baby I'm-A Want You (1972). La lucha de egos nuevamente volvió a extinguir un buen proyecto musical. Más tarde hubo una reunificación con disco incluido en 1977 pero ya sin la repercusión de antaño.

Música con pasado, con un presente espléndido y un futuro que está en marcha y aún gusta de estos sonidos francamente embriagadores.


domingo, 21 de noviembre de 2010

Historia Inconclusa del Hotel California


A veces las canciones por sí mismas pueden atesorar más historia que el álbum que las contiene. El currículum que acumulan las elevan al nivel de mito por encima incluso de sus propios creadores. Toman entidad propia y trascienden a su época convirtiéndose en clásicos incontestables.

También es verdad que si son capaces de resistir los embates de su origen bastardo quedan definitivamente instaladas en la historia de la música con letras doradas.

Es lo que ocurrió con este bello tema de la banda californiana Eagles. Ellos comenzaron sus días como teloneros nada menos que de Jethro Tull, la banda progresiva de los últimos sesenta. Más tarde debido a su pasado en torno al bluegrass, una variante del country, llegaron a ser grupo de acompañamiento de Linda Rodstand.

El caso que cuando iniciaron carrera como grupo con entidad propia en los primeros setenta orientaron su sonido más hacia el rock con marcado carácter sureño que imprimía a su música cierto carisma al estilo del mejor cantautor pero instalado en el seno de un grupo con músicos de alta calidad creativa.

En esa disposición se encontraban cuando grabaron Hotel California (Álbum) en 1976. Las listas de éxitos les acogieron con calidez y su estatus de súpergrupo estrella hizo el resto. Pero sin escapar a las conjeturas y observaciones varias propias de quienes están en primera línea de fuego.

Es así que Ian Anderson, líder de los Jethro Tull (curioso personaje), en más de una ocasión sugirió que la banda de California había utilizado la base de We Used To know del álbum Stand Up de 1969 que los JT ya hacían en directo en 1970 cuando aún los futuros Eagles les teloneaban.

Sea o no cierto el caso es que jamás Anderson elevó el supuesto plagio a instancias judiciales, pero en honor a la verdad he de decir que si repasamos ambos temas y establecemos la comparación existe un alto porcentaje de similitudes entre ambas composiciones respectivamente.

Este es sólo uno de los frentes abiertos en torno al merecidamente afamado Hotel California. Otro es el que se refiere a su origen satánico que la banda siempre negó. Pero me ocuparé en otro momento de ese particular. Ahora ejercitemos nuestro sentido crítico y escuchemos ambas canciones. Tú decides.




sábado, 20 de noviembre de 2010

Una Canción Con Más Que Historia


El juego, la diversión, desde tiempo inmemorial han sido el motor que ha hecho posible la evolución a nivel general habida cuenta del factor de sed de conocimiento que incorpora. Los grandes hallazgos habidos en la historia de la humanidad han partido siempre de la necesidad de hacer estable, cuanto menos confortable nuestro devenir vital.

La pólvora es un claro ejemplo, aunque más tarde la inherente habilidad humana para pervertirse diera al cabo con el refulgente descubrimiento para fines bastante reprochables. Hacia atrás en el tiempo el mismo fuego es otro ejemplo. Y la lista sería prolija.

Centrémonos en la música. Lo que hoy tenemos es resultado de miles de años de evolución. Avance en el conocimiento que no viene si no a perfeccionar un antiguo anhelo de la humanidad. Hoy sabemos que en las cavernas los primeros moradores humanos ya producían con primitivas flautas sonidos agradables, que nunca mejor dicho amansaban a las mismas fieras.

Del mismo modo un sonido acompasado, básicamente percusivo puede enaltecer el ímpetu anímico y provocar un estado alterado de conciencia capaz de despertar el instinto atávico que yace en lo más profundo del subconsciente.

Trasladado a lo más inmediato que nos ocupa en este blog, es sabido que un simple título, no digamos ya el desarrollo en el pentagrama del mismo, despierta sentimientos encontrados dependiendo de quién sea el receptor. Mantengo al margen la intencionalidad del autor.

Voy a pronunciar Helter Skelter. Algunas alarmas ya habrán saltado nada más leer ese título. The Beatles dejaron un hueco en su Álbum Blanco de 1968 al sonido poderoso, germen del heavy metal que en la actualidad conocemos. No escatimaron en esfuerzos y decididamente este tema rebosa heavy como pocas veces.

Los de Liverpool siempre tan revulsivos. La canción fue compuesta por Paul McCartney. Éste se inspiró en una atracción de feria muy común en el Reino Unido consistente en un tobogán en forma de espiral. Paul dijo que quiso utilizar esa imagen como símbolo de la caída y decadencia.

Y de nuevo aquí el Yin Yan de la música. Más exactamente las dobles interpretaciones. Decir Charles Manson es sinónimo de ignominia, decadencia, depravación y sobre todo paranoia homicida por ser suave en la descripción de este músico mediocre y mesiánico.

Manson interpretó que este tema de The Beatles simbolizaba a la perfección sus delirantes vaticinios de un nuevo mundo que surgiría a su vez de una nueva casta de prohombres al frente de los cuales estaría él mismo y que para ello antes había que destruir el actual orden mundial. Y de la peor forma. Pretendía el aniquilamiento literal de la sociedad actual con todas sus unidades individuales.

Como mínimo delirante. En concreto parece que este siniestro mesías vio en Helter Skelter una de las catástrofes que acabarían con este mundo, es decir, el enfrentamiento entre la raza blanca y la raza negra y que en su desorden mental estaba dispuesto a auspiciar.

En esta particular y terrorífica cruzada perpetró en 1969 uno de los asesinatos más salvajes que se recuerdan en la historia reciente. La justicia sentenció que él no había sido el autor material de los hechos pero sí el inductor necesario y que estuvo presente en el lugar del crimen, por lo tanto se le condenó a muerte, pena que fue conmutada por cadena perpetua que en la actualidad cumple.

La escena del crimen era la casa del director de cine Roman Polanski, y la infortunada víctima su mujer, la actriz mito erótico de los sesenta Sharon Tate que en avanzado estado de gestación fue eviscerada. Algún invitado que pasaba la noche allí no corrió mejor suerte. En las paredes de la casa escenario del horrible crimen aparecían escritas con sangre las palabras Helter Skelter.

Inopinadamente una canción que quedó estigmatizada para siempre. Nada es mejor ni peor, todo depende del uso que se le de y sobre todo de las manos en las que tenga la suerte o infortunio de caer. De ti depende que quieras escucharla a continuación.


lunes, 15 de noviembre de 2010

Ambrosia, Degustando Música




Al sur de California, en un lugar llamado The South Bay y seducido por los sonidos novedosos y un tanto experimentales de los Beatles nació este cuarteto de buenos músicos. Además de su confesa y profunda admiración por Crosby, Still, Nash & Young.

Sin embargo sus derroteros artísticos no discurrieron por donde cabría esperar. Ya en un inicio se difundió el rumor que el mismo Herb Alpert había interrumpido una audición con ellos porque se presentaron en el estudio absolutamente ebrios. Se desmintió el hecho con el afamado productor y acabó siendo una leyenda urbana.

El caso es que recién iniciada la década de los setenta la banda consiguió abrirse camino en un escenario marcado por el rock sinfónico aunque con un gusto pop producido con habilidad. Los King Crimson fueron su especial fuente de inspiración en esta etapa. Y es aquí cuando aparece Zubin Mehta que por entonces dirigía la Filarmónica de Los Angeles.

Mehta preparaba en ese momento el espectáculo All American Dream Concert con un método de sonido pionero en su tiempo. Un amigo común les invitó a los ensayos. El director quedó encantado con ellos y les incluyó en el espectáculo como artistas invitados. La repercusión fue importante.

Aún así hasta 1975 no consiguieron su primer contrato de grabación. El sonido de Ambrosia en este nuevo trayecto se impregnó de pop e incluso detalles de jazz sin olvidar la admiración por las armonías vocales que en sus inicios, mientras sólo eran un grupo de amigos profesaban a Crosby y compañía.

Llegaron los éxitos con covers incluso de los Beatles, caso de Magical Mystery Tour en 1977; un año después How Much I Feel y sobre todo en 1980 con Biggest Part of Me, su mejor éxito en el que se nota el cuidado y exquisito trato en las texturas musicales, una evolución lógica pero acertada, una auténtica Ambrosia que degustar.

La banda jamás superó estos años de éxito merecido y se disolvieron con intentos posteriores y poco fructuosos de reunión. En la actualidad siguen su rumbo pero en solitario como músicos y/o vocalistas de sesión.




martes, 2 de noviembre de 2010

El Poder de la Balada


Andaba yo un poco despistado hoy cuando recibo alerta en la pantalla de mi portátil de la entrada de un nuevo mail a mi bandeja. En ese instante me encontraba por otros menesteres... nada extraños, simplemente actualizaba mi portal sobre Neil Diamond que me está dando un trabajo enorme debido a la frenética actividad que despliega a sus casi setenta años.

El caso es que mi buen amigo López me avisaba que estaba canino de contenido para la sección Clásicos de la Música del jueves. Y es cierto, tal como lo cuento, que entre tanto redactar, conciliar fuentes informativas y permisos varios para reproducir audio de determinado disco, el mensaje abrió la espita camino a la realidad y de pronto me vino a la mente este clásico del grupo de rock inglés.

Los Whitesnake encierran en sí mismos la esencia básica del rock clásico. Su vocalista y líder, por cierto el único que siempre permaneció refundación tras refundación, abandonó los Deep Purple para iniciarse él solito y le fue mal. Hasta que como a mi hoy me ha ocurrido tuvo una inspiración, yo la de él y David Coverdale la de crear la banda que nos ocupa.

Fue a finales de los setenta y con un estilo más bien rock pero de raíces soul y blues. No gustó mucho, quizá por la invasión de grupos del tipo Kiss, Metallica, etc, que coexistían e hicieron que Whitesnake pasaran desapercibidos. Coverdale decidió parar. Eran los ochenta y había que aplicar algo que girara más hacia el éxito rotundo. Fácil, rock contundente más claro y al uso por esos años con baladas así mismo incontestables.

Se sacó de la manga un discazo que colocó en todas las listas de éxitos. El álbum Whitesnake (1987) condensaba la esencia que inició como terapia reparadora camino al estrellato definitivo con el disco anterior Slide it In (1984). Y en él la balada que de pronto iluminó la mañana de este día mío de noviembre, Is This Love.

Cuenta la leyenda que en principio David Coverdale la había escrito para entregarla a Tina Turner que por entonces había resucitado al éxito de la mano de Mark Knopfler, guitarrista de Dire Straits. Debió pensarlo y rectificó a tiempo. Hoy la puedes encontrar situada entre los mejores estándares del género y en cualquier lista que se precie sobre mejores baladas de todos los tiempos.

Por cierto, que si buscas el álbum podrás encontrarlo bajo dos títulos diferentes, ambos válidos, Whitesnake, como se llamó en EE.UU. o 1987 tal cual se conoció en Europa.


miércoles, 13 de octubre de 2010

Neil Diamond Soñador


Quién le iba a decir al autodidacta de Brooklyn que los últimos años de su carrera serían tan ajetreados. Desde que aceptó la petición del barbudo productor Rick Rubin hace cinco años (Red Hot Chili Peppers, Shakira, Metallica, Johnny Cash, etc, etc.) con dos espléndidos discos, Neil Diamond está viviendo una segunda juventud.

La veteranía del personaje bien merece unas líneas de cara a su calidad compositiva y la megaestrella que nunca dejó de ser gracias a sus multitudinarios conciertos por medio mundo, registro en el que especialmente brilla el baladista afincado en Los Angeles si bien sus discos habían dejado de interesar como antaño.

En el verano de 2008 Neil volvió al Madison Square Garden de New York para emular el éxito que logró 38 años antes, aquella vez en el Greek Theater de Los Angeles, con sendas actuaciones en vivo añadiendo el por entonces novedoso sonido cuadrafónico en concierto del que surgió el afamado doble en vivo Hot August Night, uno de los discos más vendidos en la historia de la música. Esta vez los conciertos del Madison se volvieron a reunir en un doble álbum llamado Hot August Night/NY.



La fuerza que Diamond presentaba en ese doble directo presagiaba que no tenía la más mínima intención de abandonar la música. A pesar de sus ya 69 años sigue conservando la energía de antaño y una privilegiada voz cada vez más timbrada.

Y en esas está que a la espera de composiciones inéditas seguramente con el toque mágico de Rubin que tan buen resultado le ha dado en el mundo de las listas de éxitos conquistando incluso el nº1 de la prestigiosa Billboard, Neil Diamond tiene previsto un álbum de covers. Uno no sabe cuánto tiempo le queda y muchas de estas canciones han estado 40 años esperando a que las grabara, ha dicho recientemente sobre el nuevo proyecto llamado Dreams.

El disco que contiene clásicos de Gladys Night & The Pips, The Beatles, Gilbert O`Sullivan o Bill Whiters entre otros, se publicará el 2 de noviembre próximo y ha sido producido por él mismo. De nuevo sensibilidad, interpretaciones al mejor estilo Diamond y en definitiva la labor de quien ha sabido mantenerse durante casi cinco décadas en escena por encima de modos y modas.

Atrás quedaron los años más rocker de este autor con canciones como I'm a Believer que convirtieron en nº1 The Monkees en el boom de su lanzamiento y más recientemente Smash Mouth para la película Shrek; o Red, Red Wine que versionaron con enorme éxito los UB40; o la banda Urge Overkill que hizo lo propio con otro tema de Neil, Girl, You'll Be A Woman Soon, para la película Pull Fiction de Tarantino.

Ahora es él quien versiona y el resultado completo lo escucharemos en breve. De momento aquí te dejo la versión del Midnight Train To Georgia de Gladys Night & The Pips según Neil Diamond.


martes, 12 de octubre de 2010

Bruce Springsteen en el Túnel



Todos en alguna ocasión nos hemos sentido de la misma manera que El Jefe sintió en este controvertido álbum El Túnel del Amor. La diferencia es que no tenemos una guitarra eléctrica y su fuerza para grabar un disco y expulsar fantasmas.

Corría el año 1987 y Springsteen venía poco menos de convertirse en la más rutilante estrella del rock con su álbum Born In The USA que a pesar de lo que pudiera parecer por el título era una auténtica arenga a la sociedad yanqui del momento. Una crítica abierta y feroz.

Tunnel Of Love es un disco atípico hasta ese momento en su discografía. Bruce había decidido concentrar en un solo vinilo el porcentaje más alto de medios tiempos que se le había escuchado. Algo pasaba. La crítica hacía incapié en este particular y el disco se resistía a acoplarse entre los preferidos de sus seguidores más incondicionales.



Al final el alma humana es débil y claudica con más facilidad de la que desearíamos. El Boss había decidido grabarlo sólo en casi su integridad tomando muy de vez en cuando la aportación de la E Street Band. Se encargó incluso de los sintetizadores y la sección percusiva. Aunque en la gira del disco le acompañaron no volvió a coincidir con la banda durante años.

Por si fuera poco accedió por primera vez a publicar temas inéditos. Descartes de estudio en las caras b de los cinco singles que se publicaron.

Era el trabajo más introspectivo que Bruce había trabajado en muchos años. Muy reflexivo y siempre en torno al amor. Y todo por una cuestión puramente emocional. Se había separado de su mujer, la actriz Julianne Phillips y expió todas sus interioridades afectivas en perfectas canciones como las que vamos a escuchar.

The Boss dijo que necesitaba evitar el arquetipo aguerrido y atrevido que su disco anterior le había granjeado. Una imagen que no se correspondía con la realidad total y que pretendía modificar con este puñado de buenas canciones.

Pasado el tiempo volvió a enamorarse, esta vez de la vocalista del grupo Patti Scialfa y curiosamente desterró desde ese momento cualquier alusión en sus conciertos a cualquiera de las canciones de Tunnel Of Love. Y así durante años.

La vida misma sobre el escenario. He de decir que a mi me parece de los mejores discos que haya escuchado jamás al dueño de las tres horas más electrizantes sobre un escenario.







domingo, 3 de octubre de 2010

Infinito Catálogo, Nick Drake


Van Morrison no tenía mucho que envidiar al británico Nick Drake, en las comparaciones nadie resultaba vencedor quizá porque Drake terminó demasiado pronto su periplo profesional en este atribulado mundo allá por 1974 cuando le sorprendió la muerte.

Siempre fue más afín al estilo dulzón de Donovan. Pero en cualquier caso fue un seguro y merecido protagonista de la corriente musical de su tiempo. Unos años entre 1968 y 1974 en que el duende-poeta introspectivo cobró fuerza en grupos como The Doors y en solistas como los citados y también Carole King o Cat Stevens.

Nick en realidad era oscuro, depresivo en sus conceptos musicales y no digamos ya en sus letras inquietantes en torno a su romanticismo melancólico. Todo ello lo adornaba con una voz susurrante y esquiva que en la escena folk rock de su tiempo amenudo acompañaba de fríos arreglos orquestales y acústicos que conseguían un conjunto singular por extraño.

Pasó desapercibido en su momento quizá en buena medida porque nunca quiso promocionarse en directo. Nick Drake apenas si pisó un escenario que no fuera el del estudio de grabación. Aunque al cabo de los años su música breve en cantidad pero larga en intensidad ha cobrado nuevo brío para renacer de sus cenizas.

Su carácter depresivo terminó con sus huesos en un internado psiquiátrico y enganchado al 'maná' de aquellos años presente siempre en todas sus creaciones. Con apenas 26 años moría sumido en el más profundo desequilibrio existencial. Su música es un reflejo de todo ello pero con un misterioso sabor agridulce que te atrapa; difícil salir indemne de la experiencia.




sábado, 2 de octubre de 2010

Dos Mejor que Uno


En estos días hemos recuperado para regocijo de fans y seguidores varios la calidez interpretativa de dos colosos de la música moderna. Desde Londres el batería Phil Collins y no mucho más lejos, en Ripley, el guitarrista Eric Clapton. Phil produjo algún álbum de Eric y además es su guitarrista preferido.

La ausencia del primero se ha prolongado por un total de ocho años. Phil Collins desapareció tanto del estudio de grabación como de los escenarios para fomentar su vida familiar. Desde que dejó a Genesis, banda a la que rápidamente contagió su estilo menos ecléctico para el desasosiego de los seguidores de Peter Gabriel, no hizo otra cosa que ir colocando nada menos que 150 millones de sus discos en solitario en los hogares de medio mundo.

En su álbum de retorno Going Back hace lo propio, música atractiva, de consumo ligero y, no nos engañemos, lo que siempre ha hecho y más le ha gustado, el soul y el r&b de los sesenta. Recordemos viejos éxitos como I Cannot Believe It's True o la versión de las Supremes de Diana Ross You Can't Hurry Love. Phil no se ha esforzado en exceso pero logra convencer con 25 clásicos del soul de los sesenta, todo versiones.

Eric Clapton en su línea y similar a Collins salvando las distancias oportunas. Clapton siempre ha hecho blues, siempre. Con un poquito de pop, rock o soul cuando convenía. Desde su famoso encuentro a finales de los sesenta con John Mayall o los Yardbirds y posteriormente con los Cream añadiendo la psicodelia a su catálogo. Y supo versionar magistralmente el Cocaine de J.J. Cale, un éxito indudable en su carrera como solista y el reggae I Shot The Sheriff de Bob Marley.

Este disco bautizado Eric Clapton tal cual su primer álbum en solitario allá por el recóndito 1970 y tras cinco años sin pisar el estudio contiene al 'manolenta' de toda la vida. Con mucho más blues y sin seguir enamorado de su voz. Pero su guitarra ajada sigue escupiendo buenos punteos al estilo de la casa y melodías encantadoras. Muy recomendable.




sábado, 18 de septiembre de 2010

BBC Electric Proms 2010


Ya se ha conocido la programación del festival cultural-musical Electric Proms de Londres, en el Reino Unido, que se viene celebrando anualmente desde el año 2006 y que en el transcurso de tres días pone en marcha actividades culturales en distintos escenarios principalmente que no sólo en la ciudad del Támesis.

Entre esas actividades las más destacadas son sin duda las actuaciones musicales de artistas de relumbrón. Los días previstos son el 28, 29 y 30 de octubre y se llevarán a cabo en el emblemático auditorio londinense The Roundhouse.

El final de fiesta lo protagonizará el neoyorquino afincado en Los Angeles Neil Diamond el día 30, que para entonces estará a sólo tres días de la publicación de su nuevo álbum "Dreams", una recopilación de covers de Leonard Cohen, Bill Withers o Gilbert O`Sullivan. Los días restantes serán protagonizados respectivamente por el británico Elton John y el que fuera vocalista de Led Zeppelin Robert Plant, también oriundo de las islas.

La peculiaridad de estos conciertos es que amenudo los artistas invitados deben hacer arreglos especiales en su repertorio de canciones, ya que la organización gusta de que éstos colaboren en directo con la BBC Concert Orchestra. Esto añade al evento un atractivo especial.

Además la BBC 2, sección radio, tiene previsto emitir los conciertos en riguroso directo en streaming a través de su sitio en el web por lo que será posible asistir de forma virtual al festival desde las 20h, horario británico. Aún así también está previsto se graben las actuaciones para ser emitidas posteriormente por la BBC two de televisión el 13 de noviembre.






miércoles, 11 de agosto de 2010

Internet, Pago por Peaje

La internet tal y como la conocemos tiene los días contados. Vaticinan los expertos en la materia que en no mucho más de tres años tendremos que pagar al circular por ella dependiendo de los servicios por los que transitemos y de quienes los gestionen. El uso libre de la misma empezará a ser una quimera.

Así de crudo se presume el futuro de la red. Hasta ahora contratábamos a la operadora de turno nuestro acceso. Ésta por una 'módica' cantidad mensual nos ponía a pie de pista y a partir de ahí ancha es Castilla.

En el espacio cibernético son mayoría los servicios a los que se puede tener acceso sin necesidad de abonar una cantidad extra. Nuestra visita a esos sitios de la internet garantiza el mantenimiento de los mismos ya que en muchos casos, cada vez más, no saldrás de él sin haber hecho alguna compra, gestión, etc, lo que redunda en la popularidad y prestigio del servicio visitado. A más visitas más rentabilidad en varios sentidos.

¿Pero qué ocurriría si ahora las operadoras telefónicas viendo el volumen de negocio que se gestiona no se contentan sólo con facilitar el acceso sino que se apresuran a reclamar parte de ese suculento pastel?. Pues que depende por qué sitio transitemos de la internet así nos pedirán o no un peaje. Me explico.

Una de las empresas más fuertes que existe en la actualidad en la red es Google, el buscador de contenidos más potente y eficaz hoy por hoy. Tras él hay todo un entramado empresarial que lo gestiona con toda su plantilla de trabajadores. Los beneficios anuales que genera son ingentes. Y sin embargo a cada cibernauta como tú y como yo no nos cuesta un euro entrar y percibir sus servicios. Eso es la red libre tal y como se concibió desde el principio.

Y aquí viene el pelotazo, las telefónicas que hasta ahora sólo se limitaban a poner la autopista quieren cobrar un canon a esas empresas digitales, cuando no directamente una participación en ellas por permitirles apostarse a un lado y otro de su 'espléndida' vía, más la cuota al usuario que dicho sea de paso en España es la más cara de Europa.

Si lo consiguen -y me temo que lo harán- por ejemplo Google tendrá que hacer frente a ese gasto extra. Y por tanto la fórmula más socorrida es cobrar el acceso a su portal y servicios de búsqueda al sufrido usuario que además del desembolso por el acceso tendrá que sumar el de cada paso que de en la red.

Esto tendría que ser legislado pertinentemente pero sea cual sea la fórmula siempre pierde el mismo: el concepto básico de internet en función de su gratuidad de navegación y el usuario que al fin y a la postre es el generador de tanta riqueza. ¿Matarán entre unos y otros a la gallina de los huevos de oro?.


miércoles, 4 de agosto de 2010

De lo Sublime y la Degradación



La cámara va cerrando plano entretanto una silueta va tomando forma. Conforme la distancia entre cámara y figura disminuye se define el rostro de nuestro protagonista. Podemos adivinar por encima de cualquier otro rasgo una amigable sonrisa que invita al acercamiento. A continuación un grito inunda la escena. La cámara que se mimetiza directamente con el observador va cayendo dejando ver una cuerda tensa entre ambas manos y ya no sonríe.

Decididamente no podría ganarme la vida como guionista. Torpemente acabo de describir una escena que cualquier amateur del género bordaría sin lugar a dudas. Pero probablemente sí he conseguido trasladar el mensaje.

¿Qué produce más miedo, un plató bañado de sangre y casquería producto de algún despropósito sádico o la visión desconcertante de un bebé que al sonreír muestra una dentadura completa y bien formada?. ¿Una mano amenazante que cae veloz atravesando el plano, desapareciendo en escorzo y ya fundida la pantalla en negro se oye un lamento de dolor o la visión directa del golpe que se adivina con el destrozo consiguiente?.

Hemos caído tanto en el detalle que los árboles no nos dejan ver el bosque. Lo secundario cobra el papel protagonista. No hay lugar a la imaginación. La Ventana Indiscreta de Hitchcock es una obra cumbre del cine de intriga. El maestro se manejó como ninguno en el arte de contar sin mostrar más de lo necesario dejando trabajar al espectador que irremediablemente se integra como parte activa de la acción.

Sólo tienes que echar un vistazo a la cartelera de cine. Da igual, la de esta semana, la de hace dos... la que quieras. Abundan guiones insulsos, repetitivos y con una importante falta de imaginación. Hasta para repetir o hacer cover de una cinta es necesaria la inventiva y la genialidad.



Habrás deducido y estás en lo cierto que estos días he estado repasando algunos clásicos de Alfred Hitchcock. Cómo el rey del suspense lo dice todo sin decir nada al tiempo. Cómo deja el plano abierto para que navegues por un mar de dudas. Cómo te prepara para un final que ingenuos de nosotros creímos pillarle a las primeras de cambio. Qué arte el del Séptimo Arte de este hombre.

El erotismo es sublime; la pornografía degradación. Y hemos traspasado esa peligrosa línea. En todo los ámbitos de la vida ajetreada de esta apenas recién inaugurada centuria. La televisión también es una muestra de ello. Abundan las amorfas formas morales de juguetes rotos que han caído y seguirán cayendo en el abismo de la mal entendida naturalidad.

Ahora se sabe todo lo que hay detrás de una cámara en el plató de televisión donde se emite el programa estrella de tal o cual cadena. Verduras y verduleras, princesadas y princesas de reinos en decadencia moral en una televisión que es la imagen viva de la sociedad que la consume. Poco hay que salvar en ella. ¡Qué buena oportunidad estamos empezando a perder con la tv digital de la que tanto se esperaba!.

Menos mal que siempre nos quedará la radio, un buen libro, una tertulia entre amigos, una mochila que echarse al hombro y descubrir nuevos paraísos o volver a visitar los descubiertos, una mirada cómplice que no necesite más detalles para adivinarle intenciones... Quizá tras ello y sólo así también tengamos nuestro propio París.


viernes, 30 de julio de 2010

Prohibiendo Prohibiciones



Hace muchos años en un lugar de Memphis y proveniente de Tupelo a orillas del Mississippi un joven de familia humilde se buscaba la vida como camionero. Hasta aquí todo muy normal en el país democrático de Lincoln o en el país democrático y taurino de Zapatero.

Este chico hizo un día un privilegiado alto en el camino para poner en práctica su afición por la guitarra que aprendió a tocar de pequeño entre ritmos de blues, gospel... para así en un pequeño sello discográfico grabar una canción como regalo de cumpleaños a su madre. En USA era muy habitual este tipo de servicios entre las pequeñas discográficas.

Dicho y hecho. El sello se llamaba Sun Records. Fuel el principio de una leyenda marcada por el éxito incontrolado, la polémica, excesos y prohibiciones.

Como quiera que Elvis Presley -sí, es de él de quien hablo- consiguió unir lo más bello de la música de color como el R&B con lo más tradicional del sonido blanco como el country surgió un sonido típicamente matizado llamado Rock & Roll.

Pese a lo idílico de la mezcolanza pronto surgieron detractores. Sobre el escenario un sonido infernal que rompía cánones y que por sí solo invitaba al propio diablo a participar, y un joven Elvis que lo adornó con una sugerente interpretación no exenta, y aquí está 'el problema', de atrevidos contoneos y movimientos 'lascivos' de cadera que podían resultar perniciosos para la juventud americana.

Nunca se había visto nada igual sobre un escenario y menos aún en un cantante blanco. Pese a las trabas la historia demostró que aquellos pacatos ultrapuritanos que veían con malos ojos el advenimiento de una nueva forma de espectáculo musical y visual se equivocaban de todas todas. Es irrefrenable la atracción por una música-espectáculo que tiene mucho que ver, si no todo, con la idiosincrasia de un país y está íntimamente ligada a su credo atávico.

Rápidamente se separó el ruido de las nueces y sólo hubo que dejar fluir con todo su encanto, misterio y admiración un sentimiento que está más allá de cualquier burla, acoso, prohibición... Sin quererlo todos aquellos anti-Presley del momento prepararon el camino hacia el éxito total y definitivo de una expresión artística que aún hoy genera admiración.

Otro día os hablaré de Marvin Gaye y su revolución musical en el mundo de color. De momento que vayan tomando nota los malavaristas de la política que se sirven sin escrúpulos de cualquier cosa por tal de aplicar su antojo nacionalista utilizando la más espuria demagogia.






sábado, 17 de julio de 2010

Kenny G y El Encanto de los Dioses


Decir Kenny G es lo mismo que tocar el cielo un poquito cada vez. Este hombre natural de Seattle, estado de Washington en USA, se ha entretenido en sus años de carrera, que comenzaron a mediados de los setenta acompañando a Barry White, en vender más de 80 millones de copias de sus discos basados exclusivamente en el saxo. Siquiera otros reputados intérpretes del seductor instrumento como David Sanborn lo han logrado.

Como siempre te digo para más información ahí está la web oficial del músico. Pero para otros detalles ya te los avanzo yo. Si uno no tiene la capacidad de reinventarse, poco consigue. Y Kenny tiene ese toque especial y la virtud de acompañar el sonido de su saxo de adornados arreglos que hacen un soporte más que atractivo para su apoyo y en un instrumento que por sí mismo durante todo un larga duración pudiera resultar monótono.

Es así que a lo largo de todos estos años ha logrado triunfar tanto es listas Pop, como Fusion, New Age e incluso del Jazz más amable y seductor llamado Smooth Jazz. Introduciendo líneas melódicas para 'corregir' la aparente anarquía del jazz más clásico y rodeándose de buenos músicos y colaboraciones vocales para desarrollar una técnica incomparable e intransferible.

Su saxo soprano tiene un sonido distinguible, acariciador, muy peculiar y es capaz de mantener una nota suspendida más allá de la capacidad pulmonar al uso mediante una técnica fácil de explicar pero complicada de desarrollar, es decir, consigue respirar entretanto mantiene la nota.

Kenny G ('G' por su apellido Gorelick) se convirtió en una rutilante y singular estrella internacional y a pesar de un descanso de diez años durante la primera década del siglo XXI no ha perdido su encanto regalándonos en los últimos dos varias joyas inigualables otra vez. Rhythm & Romance (2008), basado en canciones de amor latinas y el publicado hace un par de semanas Heart & Soul, un disco impecable de eco romántico para una velada, o mediodía, o amanecer de verano, invierno... De nuevo una delicia para soñar despierto.




jueves, 8 de julio de 2010

Platino Por Un Día




Buscando y buscando, que esto es un no parar, tarde o temprano se desliza la sorpresa del día entre tanto desorden en aquella perdida estantería de discos ya olvidados en el tiempo.

Pero nada más ponerlos en el no menos vetusto giradiscos descubres por qué en su día fueron auténticos líderes y después ya nunca se supo de ellos.

Hablo de un trío valenciano que en los primeros ochenta deslumbraron fugazmente con una suerte de funky-pop elegantoso, perfecto para las pistas de baile muy en la línea de los ecos británicos en tal menester estilístico. De la misma manera aparecían ataviados atildados de una seriedad francamente convincente.

Se llamaban Platino y fue uno de los miembros del dúo de música electrónica Azul y Negro, Carlos García Vasco, quien les produjo el disco que me ocupa ahora. Sólo ese porque no hubo más. Ocurrió en 1984. Es una delicia que merece la pena repasar.



domingo, 4 de julio de 2010

Radio Futura Acalorada


Veranos inolvidables cuando en el pequeño tocata sonaba la música de los Radio Futura. No sé por qué pero sea cual fuere el momento en que les escucharas siempre tenías la sensación de transportarte al tórrido estío de otrora años mejores.

La Escuela de Calor de los Radio Futura es un icono de la música veraniega de la España más orientada hacia un nuevo mundo musical en el que el revulsivo era la diversión por la diversión sin nada más que hacer que ir despertando hacia una realidad a bordo de un incipiente futuro que alguna vez sentimos perdido y al que la música volvía a auparnos.

Ese verano de 1984 mientras algunos se movían al ritmo ingenuo de los pajaritos de Mª Jesús y su Acordeón otros preferíamos la descarnada pegada de la calle ardiendo al sol de poniente con tribus salvajes cerca del río.

Sin duda la canción más cercana del long play La Ley del Desierto, La Ley del Mar junto a Semilla Negra, otro icono de los de Madrid con el que se perfiló una banda llamada a marcar estilo en el rock hecho en castellano. El primero del entonces cuarteto después del experimento que supuso Música Moderna cuatro años antes.

El disco se confeccionó a base de material que en vivo ya había rodado Radio Futura en sus muchas actuaciones. Cuando se publicó con esos mismos temas pero grabados en estudio por vez primera ya eran sobradamente conocidos. Fue importante también la labor que en ese período sin soporte físico realizaron las emisoras de radio de todo el país radiando maquetas, etc., con lo cual se convirtió en un rotundo éxito.

Pedacitos de un verano que gusta recordar en cualquier terraza mientras una cervecita (o lo que se tercie) amortigua el peso y paso de los años.


sábado, 3 de julio de 2010

Bob Marley No Copy


Que la arrolladora personalidad de Bob Marley caló profundamente en sus seguidores es un hecho contrastado. Que su música sirvió como elemento de expresión y denuncia con soflamas espirituales auspiciadas por la religión rastafarí también es verdad. Pero que eso nos de pie a recrear sin límite un legado musical que me parece tal como quedó inamovible se me antoja un despropósito.

El punteo y ritmo característico del reggae da pie a mil y una combinaciones. Y Marley fue un adelantado de su tiempo en tal menester. Se adivinaba en su música un espíritu elevado y un conocimiento del tempo exquisito. Hoy día escuchar por ejemplo Is This Love no supone retrotraerse en un complicado ejercicio de memoria. Salvando las ventajas técnicas actuales suena tan fresco como si fuera hoy mismo.

El jamaicano concibió su música tal y como en sus discos está plasmada. Y créeme que hay ocasiones en que mitos de tamaña envergadura deben ser tratados a la altura de su excelencia personal y musical. Me parece un sacrilegio retocar su legado inigualable a no ser para limpiar la pista original del paso de los años, hoy llamado remasterización.



Hace unos días pude tener noticia de una reedición que a priori me parecía oportuna por el período estival pero que al escucharla me sorprendió. Varios años después de su fallecimiento se editó una muy completa y destacable recopilación en el ya legendario Legend. La de ahora se llama Legend Rarities Edition. Chin chin pum para pistas de baile.

Mi decepción ha sido profunda. Tanto como la osadía de quienes se han permitido profanar la memoria del genio Bob Marley. Y menos mal que en un arrebato de lucidez han obviado en tamaña disección apócrifa el sacrosanto Is This Love. Menos mal.

Te recomiendo por supuesto la edición originalísima, única y verdadera de Legend. Abajo te dejo alguna que otra joya.




miércoles, 16 de junio de 2010

Cuento Contigo


Si alguna vez te has parado en medio de la vorágine del día a día que nos hemos impuesto habrás advertido lo ridículo que parece todo a tu alrededor. Todos corren, algunos hacia ningún sitio, sólo lo hacen por empatía y porque no vaya a resultar que visiten el pavimento a la altura de sus narices tras el empujón de quien viene más rápido aún y que quizá tampoco va a ninguna parte.

Pantallas de neón que te prometen el paraíso mismo con una gama de colores que hasta ese momento siquiera sabías que existían... Mientras miras a tu alrededor y piensas, no sin motivos, si realmente existe ese lugar. Si de verdad tu amada/o tendrá el mismo aspecto que presenta la escultural figura de la marquesina, que miras de reojo por si acaso cambia de imagen y te da la hora no sea que otra vez llegues tarde... Es mejor correr para evitarlo. Otra vez aliviando el paso y de paso el ritmo de tu corazón.

Pero no hagas caso, más adelante de nuevo otra detallada descripción esta vez de cómo utilizar el aparatito desfibrilador que a modo de dispensario por turnos se sitúa estratégicamente en algunas grandes ciudades atribuladas por la fiebre del estrés.

Alivias el paso y resulta que mientras sorteas a la chica de patines que corre y corre y cabilas sin llegar a adivinar cómo es capaz de guardar el equilibrio al tiempo que atropellada te asalta la idea de dónde quedará el circo del que se ha escapado, el claxon del coche te pone en órbita de nuevo. Has vuelto a la realidad de la mano de algún improperio del conductor. Mientras le dedicas tu mejor selección de vocablos ofensivos de repente te das de bruces con la cafetería a la que intentas acceder por la cristalera del ventanal mientras al mejor estilo mimo buscas el inexistente pomo de la puerta que por una combinación de premura y tontuna pensaste que estaba por allí...

¡Todo rápido, muy ligero, a la voz de 'ya' !. "Si puede ser hoy mejor que mañana", "No dejes para mañana lo que puedas hacer hoy", "En casa a las diez estés si puede ser mejor antes que después"... ¡Basta!. ¿Te has planteado alguna vez vivir despacio?. No importa el resto, ya sabes, sin prisas y con todas las pausas a tu alcance. En no tomar el atajo de regreso a casa y disfrutar del paisaje. Caminar bajo la lluvia mientras sonríes. Sonríes.

Esa es la palabra, sonreír. ¿Sabes que el gesto de reír es del que participan más músculos del cuerpo simultáneamente. Y que éstos a su vez provocan una liberación de endorfinas suficientes para aliviar cualquier síntoma de cansancio, tristeza, estrés... Y que es una terapia al alcance de todos, económica, porque sonreír no cuesta nada y es contagiosa, felizmente contagiosa?.

¿Y sabes que con una sonrisa puedes conseguir todo lo que te propongas?. Con una sonrisa la chica de la ventanilla te atenderá mejor y más diligentemente. ¿Pues a qué esperas?. Prepara tu estrategia mientras escuchas mi propuesta musical de hoy.


martes, 15 de junio de 2010

J.M. Serrat A Orillas del Mar

De la misma manera que un autor se identifica con su obra el destinatario se integra en el paisaje descrito que propone éste. Se hace cómplice de la vivencia o imagen allí plasmada y así la eternidad de la obra está asegurada. Es tan fácil decirlo como difícil conseguirlo.

Juan Manuel Serrat es uno de esos raros intérpretes con la facultad de la cercanía, del tú a tú, del diálogo espontáneo, de la extraña comunión entre una canción y la vida misma palabra a palabra, renglón a renglón, nota a nota.

La inmediatez de sus textos -propios o prestados-, la sencillez de sus músicas y la vibrante conjunción del fraseo le dispone a uno en medio de una escena cotidiana, cercana, vívida, extrañamente personal e intransferible. No es necesario haber estado en ninguno de esos escenarios para sentirlos propios.

Y es así y de ninguna otra forma como soy capaz de acceder a tamaña figura de la música popular española. Desde la vivencia heredada antes de que por su propio pie ésta llegue a mí. Como un faro que ilumina el camino o sencillamente deslumbra. Porque de todo hay en la viña noble y rica de un narrador incansable del alma en toda su complejidad pero sencilla emoción.

De esta forma lo sentí la primera vez que tuve entre mis manos la Obra Maestra de este catalán convencido de su raíces que le costaron años de persecución y censura en su propia patria y el desdén de los pro-patriotas de bolsillo y plástico. Me refiero a Mediterráneo (1971).


No trato de hacer un panegírico técnico ni siquiera una sesuda teoría formulada en torno a la ubicación social del disco en cuestión. No. Sólo una exposición de las historias costumbristas en forma de canción que han perdurado en el tiempo, con las que hemos crecido nuestra generación y que aún sentimos tan cercanas por inolvidables, para bien o para mal. Allá cada cual.

Un disco que se deja escuchar fácil, con la necesaria orquestación de Juan Carlos Calderón omnipresente en aquella época y con la ya por entonces evocadora forma de cantar y contar de un Serrat repleto de motivos e historias para hacerlo.

Historias que son las que son en el momento en que son. Y no es un juego de palabras. Pero que al margen de ello siguen arañando el alma, predisponiendo el ánimo o acariciando el rostro como la fina lluvia de una mañana de primavera...

Desde la declaración de identidad y principios de la laureada copla que abre y da título al disco hasta el rumbo incierto de Barquito de Papel; desde el alma errante de Vagabundear al destino anhelado a bordo de los primeros brazos que comparten corazón y vida de La Mujer Que Yo Quiero; desde el retrato bohemio del Tío Alberto -personaje que existió en la vida real- a la evocadora y quizá más personal letra de Aquellas Pequeñas Cosas; o la cruda realidad costumbrista del decadente Pueblo Blanco...

Es una auténtica joya del cancionero a manos del gran Joan Manuel Serrat. Él compuso toda la música y las letras a excepción de un invitado de lujo como no podía ser de otra manera, nada menos que el poeta León Felipe con el poema Vencidos que cierra un disco enorme escrito a orillas del mar entre Girona, Gipúzcoa y Mallorca que ahora arribo a tu playa.






martes, 18 de mayo de 2010

El Placer de Cantar


Dice un proverbio oriental que si lloras porque no puedes ver el sol, las lágrimas no te dejarán ver las estrellas. Y no le falta su cuota de verdad al dicho, que para esto de la filosofía aplicada al alma humana estos chicos que crecen como la espuma allá por el Oriente saben un poco.

Esto aplicado a la música tiene su aquel. Sí, porque la técnica que hoy en día se utiliza en el estudio de grabación o mismamente en una sala de conciertos con unidades móviles que más que itinerantes son mastodónticas infraestructuras sónicas ancladas al lugar en cuestión... como que no terminan de dar el 'do' de pecho.

Me refiero a que todo se esconde tras magníficas, impolutas e impecables grabaciones digitales con una excelencia cuántica binaria que el tipo del chelo cuando hace su solo pareciera que te respirara cerca del oído. Bien, muy bonito todo... pero demasiado limpio, sin emoción. No digo yo que se graben las cosas a la antigua usanza bajo bóveda y una sola toma, no. Pero sí un poco de naturalidad por favor.

Me ha pasado con el último trabajo por ahora de la canadiense Celine Dion que después de nueve largos años ha vuelto a los escenarios colgando el no hay billetes. La ocasión lo merece y ahí va el derroche de medios y multimedia. Disco CD incluido, más DVD y tres horas de un documental tipo séptimo arte donde se muestra a la diva delante y detrás del micro.

Celine tiene una voz portentosa. No la voy yo a descubrir ahora. Pero a veces los árboles no nos dejan ver el bosque. Echo en falta, de verdad, además de a mi amor, pero ese es ya otro tema, la sencillez y candidez de los primeros años de cualquiera que se precie en esto de la música.

Deja a un lado el histrionismo neosónico y disfruta un ratito de una voz dulce y en francés de la Dion en un incunable. Billy se llama. Y como de sencillez va la cosa no añado nada más. Ahí te lo dejo.


domingo, 16 de mayo de 2010

John Paul Young, Enamorado al Viento


Aunque en 2006 publicó un disco desde su Australia de adopción a John Paul Young, natural de Escocia, siempre se le recordará por el fruto extendido a medio mundo en 1978 bajo el nombre Love Is In The Air.

Ésta es una composición fiel a la tendencia musical de su tiempo. Estamos en la segunda mitad de los 70. Plena era disco de fiebres varias en el tiempo mágico del sábado por la noche. JP Young venía de participar en la opera rock Jesucristo Superstar en su producción australiana. También de tener éxito como vocalista en una olvidada banda de rock.

Después de éxitos importantes como solista en Australia y con eco en Europa y EE.UU no sería hasta el inolvidable 1978 cuando llegó a conseguir el reconocimiento mundial definitivo con el tema disco El Amor Está en el Aire.



Llevado a cabo por los productores de la banda de hard rock AC/DC la canción con la base bailonga del momento era tremendamente sencilla pero irradiaba un optimismo al que era imposible resistirse.

Con el tiempo el propio John Paul Young confesó que el éxito se debía a las indicaciones de su productor mientras trabajaba en el estudio de grabación. Éste le insistía en que debía cantarla como si estuviera manteniendo una conversación... De cualquier forma y colocando en su justa medida las dotes vocales de JP Young el consejo funcionó.

El éxito continuó indisolublemente emparejado a Love Is In The Air hasta más o menos 1983 en que su estrella empezó a decaer. Se dedicó una temporada a la radio como DJ. Y en 1992 el cine le rescató del relativo anonimato proponiéndole una revisión de la canción para la película Strictly Ballroom. De nuevo triunfó. En 2006 publicó disco pero apenas sin repercusión.

Al rescate de instantáneas de un pasado que para muchos sigue siendo mejor. Tengo mis dudas pero en cualquier caso es verdad que son momentos irrepetibles. Te propongo la reaparición de JP Young en 1992 con el siguiente vídeo.